John Carpenter “for dummies”: ¿Por dónde empezar con su filmografía?

Mi idea original era escribir un “Director for dummies” al mes, pero el inicio de 2019 se me ha liado mucho por cuestiones de trabajo, familiares y demás. Con mucho retraso (esto tendría que haberlo escrito en enero) llega la segunda entrega, donde cambiamos radicalmente: si para el primer capítulo tuvimos a Fritz Lang en este vamos a hablar de John Carpenter.

Los lectores habituales ya sabéis de mi amor por su trabajo, en varios artículos he recomendado varias películas suyas, como en la segunda y la tercera entrega de la saga Cinco Películas, Cinco Géneros o como en mi recomendación de películas de terror claustrofóbicas.

Nacido en Carthage, Nueva York, en 1948 dicen sus biógrafos que ya desde niño tenía claro que quería hacer cine, realizando sus primeros cortos en el instituto con una cámara Super8. Su familia venía del mundo artístico pues su padre dirigía el departamento de música de la universidad de Western Kentucky, donde comenzó sus estudios para trasladarse posteriormente a la USC californiana en 1968, donde continuaría sus estudios de cine, que dejaría inacabados para poder centrarse en su primera película. En 1970 saboreaba su primer éxito siendo todavía estudiante, pues el corto The Resurrection of Broncho Billy se llevaría el Oscar a mejor cortometraje, siendo Carpenter el editor, co-guionista y compositor de la banda sonora. En 1974 lanzaba su primera película, Dark Star, y en 1978 conseguía su primer éxito de taquilla con Halloween. Los ochenta serían los años dorados de Carpenter: combinaría con maestría películas de acción, ciencia-ficción y terror logrando algún éxito más en taquilla y también firmando algunas películas que, a pesar de no tener tanto éxito en ventas, se convertirían en clásicos de culto. Los 90 se le harían más cuesta arriba y en los dosmiles estaría en un estado de semi-retiro, con solo un par de películas y un par de capítulos de la serie Masters of Horror, pero curiosamente más centrado en explotar su faceta como músico.

Se me ha hecho especialmente duro elegir tres en este caso, pero ahí vamos:

Asalto a la comisaría del Distrito 13

Voy a copiar directamente lo que dije sobre ella en otro artículo: “filmada en 1976 con un ajustado presupuesto de 100000 dólares. Afirma que se inspiró en dos películas para escribir el guión: Rio Bravo, de Howard Hawks y La Noche de los Muertos Vivientes de Romero. El planteamiento es simple: Un grupo de policías y de criminales resisten dentro de una comisaría el ataque de un numeroso  y vengativo grupo de pandilleros. Años después el propio Carpenter se auto-plagiaría tomando varios elementos, y alguna escena casi plano a plano, en Fantasmas de Marte.”

Esta película es una joya por su efectividad y simpleza, en serio que siempre he pensado que Carpenter hace magia: los actores no son buenos, los medios técnicos son limitados… pero te atrapa, te engancha. Logra crear un ambiente opresivo con muy poca cosa, logra meter al espectador dentro de las escenas, hacerle vivir la tensión de la situación. Hay un capítulo en la segunda temporada de The Punisher, en Netflix, donde se marcan un homenaje bastante claro, y ahí se ve como Carpenter con menos medios lograba hacerlo mucho más efectivo.

1997: Rescate en Nueva York

Filmada en 1981 tras dos éxitos de taquilla consecutivos: Halloween y La Niebla. Carpenter pasaba por su momento de mayor popularidad y el cine de acción se ha convertido en el género preferido de América, así que Goldcrest lo tiene claro: necesitan que Carpenter haga una película de acción. Carpenter la hace, pero a su manera: el ambiente es futurista, distópico, post-apocalíptico. Una América fascista y caótica retratada a través de actores sobrados de carisma: Ernest Borgnine, Lee Van Cleef, Donald Pleasence o un Isaak Hayes que retrata a uno de los mejores villanos mesiánicos que se hayan visto.

Y para culminar la obra nada menos que Kurt Russell convertido en Snake Plissken, el antihéroe definitivo. Un Russell que era en aquel momento una elección controvertida, pues se le asociaba a una imagen “blanda” tras haber participado en varias películas familiares de Disney, pero que logró disipar todas las dudas creando un personaje inolvidable, un personaje cínico, individualista, callado, ingobernable e implacable que se inspiraba en los personajes violentos de perfil vigilante que habían triunfado en los 70.

Halloween

Es posible que a muchos os sorprenda, pero cuando se estrenó en 1978 Halloween fue un éxito de crítica. Su violencia explícita, que hoy por hoy sería denostada por los críticos, en aquel entonces fue alabada como un soplo de aire fresco. Si en 1974 había sido La Matanza de Texas la película independiente que había revolucionado el cine de terror, Halloween era la película que finalmente definía el género de terror slasher inspirando por Psicosis de Hitchcock y que, en 1980, culminaría con la primera entrega de Viernes 13. Halloween introduce varios tópicos del género: el asesino como personaje principal de la historia, los jóvenes dedicándose al sexo y a las drogas antes de ser asesinados, el asesino que vuelve a la vida dentro de la misma película creando una sensación de mal indestructible…

Era la tercera película de Carpenter y se convertiría en su primer éxito en taquilla, convirtiéndose en aquel momento en la película más rentable de la historia, costando poco más de 300000 dólares y recaudando 70 millones en todo el mundo, además de dar lugar a una saga que generaría enormes beneficios a través de sus secuelas.

Muchos críticos han argumentado que la película puede fomentar el sadismo por la glamourización del asesino o que pretendía mandar un mensaje moralista pues es habitual que los adolescentes estén consumiendo drogas o practicando sexo antes de ser aniquilados. El director ha rechazado ambas visiones de forma explícita, argumentando que nadie en su sano juicio debería tomar a Myers como un ejemplo positivo y que, en cuanto al comportamiento de los adolescentes, simplemente consideraba que ese era el comportamiento del adolescente medio de la época.

Y hasta aquí llega esta lista. Ha sido duro dejar fuera títulos como La Cosa, Dark Star, Golpe en la Pequeña China, They Live! o La Niebla, pero creo que para hacerse una idea general, estas son las tres películas más idóneas para empezar a paladear el cine del gran John Carpenter. El maestro de la Serie B, un director que tal vez tuviera momentos flacos en la década de los 90, pero que en general nos dejó un buen puñado de títulos inolvidables y que, sobre todo, tiene una personalidad propia muy fuerte que le permitía coger todo lo que había aprendido del cine de los años 50 con el que se crió, de aquellos westerns y aquellas películas de marcianos o de monstruos, y mezclarlo para impregnarlo con su propia esencia.

Fritz Lang “for dummies”: ¿Por dónde empezar con su filmografía?

He decidido hacer una  serie de entradas sobre directores de cine con copiosas producciones, remarcando con qué tres de sus magnas obras comenzaría. Intentaré aportar uno al mes.

El primer elegido es el alemán Fritz Lang. Nacido en Viena en 1890, cuando todavía formaba parte del Imperio Austrohúngaro (mi segundo imperio favorito, después del Romano durante la dinastía Flavia), antes de dedicarse al cine estudió arquitectura y Bellas Artes y combatió en la I Guerra Mundial. En 1919 filmó su primera película, la ahora perdida Halbblut, y su trayectoria se alargaría 41 años, filmando en 1960 su última obra, el final de su saga sobre el personaje del Dr. Mabuse. Se exiliaría de Alemania durante el ascenso del nazismo, a pesar de haber recibido ofertas por parte del partido para que dirigiese la UFA, y abandonaría también los EEUU a finales de los años 50 por las purgas anticomunistas del Comité de Actividades Antiestadounidenses. Volvería años después a California, donde fallecería en 1976.

15th October 1956: Austrian film maker Fritz Lang (1890 – 1976) on his return to Germany after his years in exile. (Photo by Keystone/Getty Images)

¿Con qué tres películas comenzaría yo con Fritz Lang? Pues para mi estas serían las elegidas:

Metrópolis:

Probablemente Metrópolis sea la mejor película de ciencia ficción filmada durante los años del cine mudo, dando además una mano de oscuridad distópica a un género que hasta aquel momento se movía en lo positivo, en la fe ciega en el progreso técnico como motor de mejora de la vida humana y en la utopía como visión de futuro. El guión venía de la mano de la entonces pareja de Lang, la escritora Thea Von Harvou, y la producción fue espectacular para la época, tanto la estupenda banda sonora como  los faraónicos escenarios de la ciudad estado de arquitectura art-decó.

Metropolis cartel

Como curiosidad, Lang renegó del final de la película y de la afirmación “Entre la mano y el cerebro debe mediar el corazón“.  Hay que ver el contexto político para entender esto: la película por un lado muestra la explotación de la clase obrera pero por otro lado reniega de la lucha de clases y de la revolución, llamando a la colaboración entre estas. Este concepto entronca con el sistema de corporativismo que defendían los nazis, tesis a las que la guionista Thea von Harbou era cercana. Ojo, que no estoy afirmando que Metrópolis sea propaganda fascista, simplemente que viendo el contexto político y la trayectoria de la autora es entendible que Lang se sintiera incómodo con ciertas ideas reflejadas en la historia.

M, el vampiro de Düsseldorf

El título en castellano es engañoso pues no se trata de una película de terror gótico y temática vampírica, sino de una película de cine negro con gran carga de crítica social. Es la primera película sonora de Lang y el film que lanzó a la fama a Peter Lorre, quien hasta aquel entonces se había labrado un nombre en la escena local berlinesa como actor de teatro. A nivel histórico la película es importante por ser una de las primeras en las que se utiliza un leitmotiv (la melodía de En el salón del rey de la montaña de Grieg que silva el asesino) y por haber sentado las bases del cine negro.

Durante la película se denuncia como el miedo, la paranoia, los bulos y la idea de la existencia de un enemigo común acaba llevando a la gente a estar dispuesta a cometer cualquier acto aberrante. Como incluso policía y criminales pueden compartir los mismos intereses en un caso tan extremo. De nuevo hay que ver el contexto histórico, con el nazismo mostrando un ascenso imparable en Alemania (dos años después se harían con el poder) y el discurso del odio presente ya en el día a día.

Peter Lorre M

Aunque el título en castellano indique otra cosa, la película se ambienta en Berlín. Si bien no se cita de forma explícita ninguna ciudad sí se hace referencia a calles berlinesas y se ve un mapa de Berlín en la comisaría. La referencia a Düsseldorf viene de uno de los casos reales que inspiraron el guión, el del asesino en serie de niños Peter Kürten que sí actuaba en dicha ciudad.

Otra de las grandezas que me gustaría destacar de esta película es lo bien que envejece. La película sigue resultando sobrecogedora a la par que fresca a pesar de haberse filmado en 1931. Si comparamos con Metrópolis, que se rodó solo cuatro años antes, M no da la impresión de ser una película tan antigua. Según he podido leer, Lang declaró que es la favorita de entre sus obras.

Los verdugos también mueren

No es una de las películas más famosas de Fritz Lang, pero nuevamente el contexto histórico es determinante. En este caso nos encontramos a varios expatriados alemanes en los EEUU huyendo de la amenaza fascista. Bertolt Bretch firmará el guión de esta película donde el cine bélico se da la mano con el thriller y la banda sonora vendrá de la mano de Hans Eisler, habitual colaborador de Bretch y autor posteriormente del himno de Alemania Oriental. La dirección de fotografía recaía en James Wong Howe, uno de los más innovadores camarógrafos de su época.

Los verdugos también mueren

La película es una reconstrucción ficticia de un hecho real: el asesinato del líder nazi Reinhard Heydrich, conocido también como El Verdugo o El Carnicero de Praga por sus brutales métodos. Si bien no es fiel al hecho histórico que relata, ocurrido solo unos meses antes y del que no se conocían todavía los detalles, sí resulta un gran homenaje a la memoria de la resistencia checa al nazismo.

La película tuvo impacto social en su momento, en 1943 todavía mucha población estadounidense no estaba convencida de la conveniencia de la intervención militar en África y Europa y creían que su país debía centrarse solo en la guerra del pacífico. Esta fue una de las películas que ayudaron a decantar a la opinión pública en favor de continuar la intervención militar en Europa. Irónicamente pocos años después el Comité de Actividades Antiestadounidenses consideraría que la película era propaganda comunista y su reproducción quedaría prohibida allí hasta los años 70.

Sobreviviendo: 7 películas aterradoras y claustrofóbicas.

Una clave para toda historia de terror es la existencia de un peligro mortal amenazando las vidas de todos o al menos alguno de los personajes. Puede ser un peligro explícito, aterrador a plena luz, o puede ser un peligro sutil sugerido entre sombras, pero siempre tiene que existir la combinación de la certeza de una amenaza junto a la sensación de carecer de control sobre la situación. Para acentuar esto último nada mejor que añadir un contexto donde el movimiento de los personajes se encuentra restringido, donde la posibilidad de huida está limitada. Si eres de quien disfrutan de esa sensación de peligro agobiante y claustrofóbica seguramente puedas degustar y apreciar esta serie de películas:

  • Asalto a la comisaría del distrito 13:  Una de las primeras películas de John Carpenter, filmada en 1976 con un ajustado presupuesto de 100000 dólares. Afirma que se inspiró en dos películas para escribir el guión: Rio Bravo, de Howard Hawks y La Noche de los Muertos Vivientes de Romero. El planteamiento es simple: Un grupo de policías y de criminales resisten dentro de una comisaría el ataque de un numeroso  y vengativo grupo de pandilleros. Años después el propio Carpenter se auto-plagiaría tomando varios elementos, y alguna escena casi plano a plano, en Fantasmas de Marte.asalto
  • La noche de los muertos vivientes: Filmada en 1968 por un joven descendiente de gallegos afincado en los Estados Unidos, es una película que cambiaría el cine de terror para siempre. George Romero daba aquí inicio al cine de zombies que posteriormente nos traería películas tan populares como Demons, Nueva York bajo el terror de los Zombies, Shawn of the Dead, 28 Días Después o No Perturbar el Sueño de los Muertos. Pero sin esta cinta de Romero el término zombie no nos haría pensar en un cadáver putrefacto andante sino en un personaje de la mitología caribeña. De hecho no se usa la palabra zombie en toda la película y, años después, el propio Romero afirmaba que la idea principal de la película era mostrar el comportamiento de la gente durante un cataclismo impensable, inasumible para la mente humana. Fueron muertos que se alzaban de sus tumbas, pero podrían haber sido una invasión alienígena, una plaga de insectos carnívoros o un terremoto. La cuestión es que 50 años después de su estreno los muertos andantes de Romero siguen muy vivos, y es que estar atrapado con un grupo de desconocidos en una casa rodeada de cadáveres revividos caníbales sigue siendo un concepto terrorífico. Como curiosidad, la película por un tema de derechos ha quedado para dominio público desde hace años.

  • La Última Casa a la Izquierda: Me debatía entre esta y Las Colinas Tienen Ojos, ambas de Wes Craven. Filmada en 1972 con un presupuesto de 87000 dólares sigue siendo una película perfectamente aterradora por su violencia, sadismo y realismo, a pesar de algún puntual fallo de guión. En esta película nos encontramos dos partes diferenciadas: una tipo slasher, con criminales sádicos y víctimas adolescentes, y otra de venganza donde la sangre y la violencia no rebajan sus niveles mientras los criminales reciben un escarmiento brutal y despiadado.La última casa
  • Funny Games: El género de terror había sido quemado en Hollywood durante la segunda mitad de los 80 (que duró hasta 1993, como todo el mundo sabe) con contínuas secuelas de sus sagas más populares: Pesadilla en Elm Street, La Matanza de Texas, Halloween, Viernes 13, Muñeco Diabólico… así que en los 90 poca gente tenía ganas de explorar el terror. En 1996 Craven lanzaba Scream, diseccionando los tópicos del género, pero la bocanada de aire fresco llegaría durante Cannes en 1997: Funny Games, del alemán Michael Haneke, impactaba al público del festival y recibía la loa de la prensa. Sadismo, tortura y violencia añadiendo la indefensión de recibir el ataque en su propio hogar, rompiendo su entorno seguro. Haneke lograba así llamar la atención de la industria con esta cruda y atemorizante película.funny games
  • Alien: El octavo pasajero: Ridley Scott sabía que tras el estreno de Star Wars, en 1977, la gente tenía ganas de más historias ambientadas en el espacio. Un año y unos meses después, con esta combinación entre terror  y ciencia ficción,comenzaba una de las sagas más conocidas y lucrativas del cine. Sin ayuda posible, encerrados en una nave (En el espacio nadie puede oír tus gritos, rezaba la promo), con una voraz criatura dándoles caza y con la sospecha instalada entre todos los personajes veremos a Sigourney Weaver convertir a su Ellen Ripley en uno de los personajes más icónicos del cine, una de las heroínas definitivas de la ciencia ficción.Alien
  • Cube: El mismo año en que Haneke revitalizaba el terror con Funny Games el canadiense Vincenzo Natali filmaba la película que arrasaría en la edición de 1998 del festival de Sitges. Un laberinto de habitaciones cúbicas con trampas, sin más contexto, sin conocer el porqué ni las motivaciones de su fabricación, simplemente una trampa letal y agobiante donde la colaboración es esencial para resolver sus complejos rompecabezas.Cube
  • La Cosa: Carpenter de nuevo, pero ahora con más pasta. De nuevo se inspiraba en Howard Hawks, pero en este caso para marcarse un remake de El Enigma de Otro Mundo y, teóricamente, inicia una trilogía apocalíptica lovecraftiana que continúa en El Príncipe de las Tinieblas y concluye con En la boca del Miedo. Atrapado en una base en medio de la Antártida con un bicho terriblemente destructivo y absolutamente impredecible, el bueno de Kurt Russell nos regala uno de sus mejores papeles y Carpenter la que seguramente haya sido su película más recordada, o al menos la más taquillera.La Cosa

 

Cinco películas épicas y fantásticas de animación que recomiendo encarecidamente.

El otro día hablaba con un colega en facebook sobre la idoneidad de hacer una película o serie sobre Elric de Melniboné y planteaba una cuestión: una película o saga sobre Elric sería necesariamente cara porque requeriría una inversión potente en efectos especiales. Pero ¿y una película de animación de Elric? De hecho hasta lo planteé de forma muy concreta: “Una película de Elric hecha con animación rotoscópica y con banda sonora de The Sword y Blue Oyster Cult“. He de decir que había estado leyendo poco antes sobre el proyecto de Planet of Doom y me parecía en ese momento una idea poco comercial pero potencialmente prometedora a largo plazo.

Un par de días después de lo antes citado me comenta otra amiga en twitter que comenté qué cuatro pelis no me canso de ver, y en ese momento pensé que mi póker infalible serían Pulp Fiction, Taxi Driver, El Salvaje y Heavy Metal. Y recuperando la primera conversación pensé “¿Y cinco pelis de animación que no me canse de ver? Es más ¿cinco pelis de animación de género fantástico?” Así que vamos con ello, cinco joyas de la animación que espero que os gusten si no las habéis visto:

  • Heavy Metal: Está en mi top de pelis favoritas en general, así que empiezo con esta. Una película basada en historias cortas de la revista del mismo nombre, con una banda sonora pefectamente elegida y llena de momentazos y que cuenta con grandes del cómic entre sus colaboradores: Richard Corben, Bernie Wrightson, Dan O’Bannon y Angus McKie… y de forma indirecta Moebius, ya que para la historia final Len Blum se inspiró mucho en Arzach y no creo que se pueda atrever a negarlo.

  • Tygra: Hielo y Fuego: Su título original es Fire & Ice y sobre el papel no podía pintar mejor pues contaba con Ralph Bakshi como director y productor, con Frank Frazetta como productor y diseñador de personajes y con Roy Thomas (guionizó los mejores años de Conan y se había encargado de adaptar Elric de Melniboné al comic) y Gerry Conway (también tuvo una buena etapa guionizando Conan y fue responsable de uno de los hitos de Spiderman: la muerte de Gwen Stacy). Una película de fantasía épica que no logró en su día el reconocimiento de crítica ni de público pero que con los años ha pasado a ser una pieza de culto.

  • El Señor de los Anillos: De nuevo nos vamos con Bakshi, a la adaptación de El Señor de los Anillos que lanzó en 1978 tras el éxito de su primer acercamiento a la fantasía con Wizards. Esta película, que era emitida habitualmente por la TVG en mi infancia, fue mi primer acercamiento al universo de JRR Tolkien, así que le tengo bastante cariño, además cuenta con una banda sonora brutal y con John Hurt entre las voces ¿Qué más se puede pedir? Pues habría pedido una segunda parte, ya que la película cubre sólo libro y medio de la saga, más o menos hasta la mitad de Las Dos Torres.  La producción costó 4 millones y recaudó 30, por lo que no acabo de entender por qué no hubo secuela. Puede que sea por nostalgia, pero con el paso de los años no he revisionado las adaptaciones de Peter Jackson pero esta ya ha caído unas cuantas veces.

  • Taron y el caldero Mágico: Titulada originalmente The Black Cauldron y estrenada en 1985 fue, en su momento, un fracaso estrepitoso en taquilla, donde no llegó a recaudar ni la mitad de lo que había costado la producción. Denostada durante años por Disney, esta adaptación bastante libre de Las Crónicas de Prydain ha acabado por ser reivindicada como un clásico de la mítica productora. También cuenta con el legendario John Hurt como doblador, en este caso como el terrorífico antagonista, y en general es una película impecable técnicamente pero cuyo tono más oscuro no acabó de convencer al público ni a la crítica.

  • La princesa Mononoke: Acabamos esta lista con este clásico de mediados de los 90 de los estudios Ghibli, escrita y dirigida por el siempre admirado y nunca bien ponderado Hayao Miyazaki. En su momento fue la película más taquillera de la historia de Japón, superando a Titanic y siendo desbancada tiempo después por El Viaje de Chihiro (también de Miyazaki) y nos presenta una trama que muchos toman por ecologista pero que, viendo la trayectoria de Miyazaki, tiene más de tradicionalismo cultural e identitarismo nipón. Una película para la que sólo cabe usar un término: excelente. Como curiosidad, en la versión doblada al inglés contó con actores de la talla de Billy Bob Thornton y Gillian Anderson, y a pesar de eso Miramax apenas se curró la distribución, provocando que no estuviera presente apenas en los cines europeos y estadounidenses.

Actores y actrices que siempre quedan bien

El otro día hablaba con un colega sobre la segunda temporada de Daredevil y comentábamos “Scott Glenn, como siempre excelente“… y es que hay una serie de intérpretes que parece que puedan salir en cualquier película o serie y cumplir con buena nota en todas las situaciones. Voy a obviar a Harvey Keitel, Gene Hackman y a Gary Oldman porque estos tres no son actores, son dioses de la interpretación y están por encima del bien y del mal (lo digo totalmente en serio, son los más grandes).

  • Scott Glenn: Abrimos la lista con Scott Glenn, que para algo es que la ha inspirado. El último año le habrás podido ver como Stick en la serie de Daredevil de Netflix, y su cara te sonaría mucho. Este veterano actor, que fue marine en los años 60, tiene una larga lista de trabajos a su espalda siempre como secundario. Suele destacar en papeles de personajes duros y marcados por la violencia: Apocalypse Now, En Honor a la Verdad, Training Day, Buffalo Soldiers, Poder Absoluto, El silencio de los Corderos, La caza del Octubre Rojo, El Ultimatum de Bourne y alguna más de esa saga o el musical Nashville (donde compartió reparto con el siguiente actor de la lista).Scott Glenn
  • Keith Carradine: Proviene de una familia de artistas,  su padre fue el mítico John Carradine y era hermano del fallecido en sórdidas circunstancias David Carradine (sí, el de Kung Fu). En los últimos años le has visto siendo un carismático tabernero y policía retirado en la primera temporada de Fargo, un curtido agente del FBI en Dexter, un asesino en serie en Mentes Criminales o el padre de Penny en The Big Bang Theory. Compartía reparto con Scott Glenn en Nashville, película por la que Carradine recibió un Oscar en 1975, pero no como actor sino como cantante y compositor por la canción I’m Easy. También apareció en Los Duelistas o Herederás la tierra. La sombra de su familia es muy alargada, y aunque su padre es uno de esos mitos inigualables creo que es un actor bastante más sólido de lo que era su hermano.Keith Carradine
  • Cristina Ricci: En los últimos tiempos creo que no ha estado muy activa, o al menos yo no la he visto mucho, aunque puede ser compresible ya que con 35 años que tiene lleva 26 en pantalla. Ser una niña-actriz debe ser duro. En los 90 se hizo mundialmente conocida como Miércoles Addams, para luego ser la niña que enamora al fantasma Casper. Como pasa casi siempre en estos casos su éxito trajo inestabilidad familiar y mucho trabajo en su infancia. Llega a la mayoría de edad con papeles muy potentes en películas como Buffalo ’66, Lo Opuesto al Sexo, Miedo y asco en Las Vegas o Desert Blue, y parecía que tras Sleepy Hollow se convertiría en la nueva musa de Tim Burton. Tuvo algún patinazo como 200 Cigarrillos y también participó en algún bombazo como Monster. En los últimos años ha sido menos prolífica, pero nos ha regalado alguna gran interpretación como en El Lamento de la Serpiente. Tras el éxito de una película para televisión sobre Lizzie Borden en 2014 ha repetido el papel en una miniserie llama The Lizzie Borden Chronicles.Christina Ricci
  • John Hurt: Un grande. Lo digo totalmente en serio ¿se puede ser más grande que John Hurt? Sólo siendo Christopher Lee, pero como el señor Lee por desgracia ya nos ha dejado, hoy por hoy el señor Hurt no tiene rival. Este veterano actor británico ha hecho de todo y ya no tiene nada que demostrar: Un Hombre para la Eternidad le daba la fama, y para la eternidad nos quedan otros papeles suyos como el de Kane en Alien: El octavo Pasajero, como Winston Smith en la adaptación al cine del clásico distópico 1984, el preso Max en El expreso de Medianoche, Joseph Merrick en El Hombre Elefante y el oscuro Doctor Guerrero en el especial del 50 aniversario de Doctor Who The Day of the Doctor. Tiene ese tipo de carisma y magnetismo que hace que cuando él entra en escena el resto de personajes desaparezcan.John Hurt
  • Jessica Lange: Si has visto American Horror Story ya sabes lo mucho que mola Jessica Lange. Pero no hay que olvidar todo lo que viene detrás, desde que Dino DeLaurentis la descubrió y la hizo protagonizar su remake de 1976 de King Kong, donde se daba a conocer. Ganaba un Oscar en 1982 por Tootsie y otro en 1994 por Blue Sky. Clavó el personaje de Patsy Cline en Sweet Dreams y participó en clásicos de la talla de All that Jazz. A mediados de los 90 participaba en una exitosa adaptación de Un Tranvía Llamado Deseo para TV y a partir de ahí se alejaba del cine, aunque haría papeles secundarios en películas como Big Fish, para centrarse en la televisión. Muchos la daban por acabada pero sus papeles en Grey Gardens y American Horror Story han demostrado que sigue siendo una actriz de categoría con mucho que ofrecer.Jessica Lange
  • Gillian Anderson: La agente Scully de Expediente X, una de las series más exitosas de la historia de la televisión, no ha sido demasiado prolífica en papeles cinematográficos o televisivos, centrándose más en el teatro y en el activismo por los derechos de la mujer. Eso no quiere decir que no haya más referencias televisivas y cinematográficas que Expediente X en su carrera: además de mucho doblaje de animación (la versión en inglés de La Princesa Mononoke) o videojuegos ha aparecido en películas como The Mighty Celt o El último Rey de Escocia, en las series Hannibal y The Fall y últimamente ha trabajado en una adaptación para tv de Guerra y Paz, además de retomar su papel en Expediente X para alegría de miles de fans.Gillian Anderson
  • Ed Harris: Si necesitas a un tío que haga de general, ese es Ed Harris. Pero no simplifiquemos, Harris es algo más que un tío que suele aparecer en papeles de militar. Listar sus grandes trabajos es complicado, ya que son muchos: Las Horas, Pollock, El Show de Truman, Elegidos para la Gloria, Enemigo a las Puertas, Una historia de Violencia, Appaloosa, Buffalo Soldiers, Apolo 13, La Roca, La tapadera, Nixon, Copying Beethoven… es muy complicado destacar un papel de este actor, que puede destacar en casi cualquier película en la que le pongas.Ed Harris
  • David Tennant: Le pillas cariño después de verle en Doctor Who y de repente te dicen que es un estremecedor y repulsivo villano en Jessica Jones. Y piensas ¿en serio? ¿Puede ser que Tennant haga un personaje que te revuelva las tripas? Si es un tío riquiño. Pero le ves siendo el Kilgrave en Jessica Jones y entonces cambias a Jodido bastardo, que le maten de forma dolorosa. Ahí está, un actor capaz de ser creíble y memorable en registros totalmente opuestos. Me centro en esos dos papeles porque son mis favoritos, pero Tennant ha hecho mucho más. En el cine es cierto que no se ha prodigado, aparece en películas como Blackpool o en alguna de la saga de Harry Potter, pero en teatro forma parte de la Royal Shakespeare Company y ha trabajado en otras series de televisión de éxito como Broadchurch, The Scape Artist o Learners, mostrando su versatilidad para atacar tanto papeles dramáticos como humorísticos.David Tennant
  • Michael Madsen: Sólo por el baile de la escena de la tortura en Reservoir Dogs este señor tiene ya un hueco en la historia del cine. Compagina su carrera de actor con su faceta de poeta y fotógrafo, ya que ha publicado varios libros en ambos géneros. Ha hecho muchos pequeños papeles en televisión y le hemos podido ver en películas como Thelma y Louise, The Doors, un pequeño cameo en Sin City, Liberad a Willy, Por encima de la Ley, Wyatt Earp, Money for Nothing,  Muere otro Día,  Blueberry o Eldorado. Pero sobre todo le conocemos por sus trabajos con Quentin Tarantino: Reservoir Dogs, las películas de Kill Bill y The Hateful Eight.Michael Madsen
  • Lucy Lawless: Estoy enamorado de esta mujer. Puede que no sea la mejor actriz del mundo, pero siempre logra crear personajes poderosos: la guerra Xena en la serie de Sam Raimi, la dómina Lucrecia en Spartacus, Número Tres en Battlestar Galactica, la enigmática Ruby Knowby en Ash vs Evil Dead y me han dicho que ha hecho un papelón en Salem (esa no la he visto). ¡Si hasta ha doblado a un personaje de Hora de Aventuras, y a si misma en Los Simpson y en Celebrity Deathmatch! No se puede molar más que Lucy Lawless, bueno sí, siendo John Hurt se podría llegar a igualarla. Si tuvieran descendencia juntos engendrarían a las criaturas con más carisma del universo.Lucy Lawless

En fin, aquí dejo este top ten de gente que metería en cualquier película o serie, sin contar a los tres citados al principio que ya están también por encima de todo. Ya podéis empezar a visualizar sus trabajos si no lo habéis hecho hasta ahora.

Resumiendo 2015 (películas, discos, comics, series…)

El año va tocando su fin y he pensado que lo mejor sería hacer una listilla recopilando lo más destacable del año en los temas que más interesan en este blog.

Sobre basket no vamos a hablar, no porque no haya sido un tema interesante sino porque ya hice un tweet-resumen del año, así que podéis leerlo y damos paso a otros temas.

Empezamos por el terreno televisivo. He de admitir que todavía no he visto ni la segunda temporada de Fargo ni El Hombre en el Castillo, a pesar de venir ambas recomendadas por gente con mucho criterio. Con Fargo decidí esperar por si pasaba lo mismo que con True Detective, que llegaba una temporada del horror, pero todo el mundo ha dicho que hasta supera a la primera. En el caso de El Hombre en el Castillo ya sabéis que Dick para mi es religión y ese es uno de mis libros de cabecera, así que le tenía miedo. A principios de 2016 caerán ambas. De las que sí he visto voy a recomendar tres, y empezaré por Daredevil. Tenía miedo de que fuera un Smallville, pero dentro del genero superheroico es todo un must, una serie muy sólida, muy bien filmada, con buenos guiones y con un respeto absoluto por el espíritu del comic. Y sigo con el eje Marvel/Netflix, pues Jessica Jones (que todavía no he terminado) también me está encantado. Es un pelín más light que en los comics, pero el reparto es excelente, destacando David Tennant como un villano que podría ser el hijo bastardo de JR y Rash Al’Ghul. Y para terminar la ronda de recomendaciones nada como el espectáculo y la pura diversión descerebrada de Ash vs Evil Dead. Porque Raimi nos demuestra que hacer un producto de puro entretenimiento no implica hacer una mierda, y nos regala una joya que cualquier fan de la saga adorará. Añadiré, para camaradas fans de Dr Who, que la novena temporada ha sido mucho mejro que la octava, y que si alguien tenía dudas sobre Capaldi ahora sí que deberían haber desaparecido.

ash-vs-evil-dead

En cuanto al cine estoy más desaparecido, y no porque no haya visto mucho sino porque casi todo el que he visto ha sido muy clásico. De nuevo tengo tres en la cabeza, y muy distintas. Arrancaría con Mad Max: Furia en la carretera. Y digo lo mismo que dije sobre Ash vs Evil Dead: se puede hacer un espectáculo divertido sin renunciar a la calidad. El guión lo puedes escribir en tres post-its, pero el ritmo de la narración, la fotografía, la cuidada elaboración de los detalles… una película de acción como hace años que no se hacía. Viramos hacia algo más denso con la fantasía retrofuturista rusa de Qué difícil es ser un Dios. Se trata de un filme cenagoso, desagradable, que no entra ligero pero que es una verdadera joya, que se adentra donde Juego de Tronos no se atreve a acercarse. Técnicamente es de 2014, pero no fue presentada fuera de Rusia hasta 2015, así que la incluyo. Y acabo confesando, pecado pecado, que no he visto Kingsman: Servicio Secreto, y me han dicho que debería estar mi top3, pero por no columpiarme (y porque no tendré tiempo de verla hasta 2016 seguro) voy a darle la tercera plaza a Sicario, de Dennis Villeneuve.Buena peli de acción con mi compañero de ojeras Benicio del Toro.

Qué difícil es ser un dios

En el campo del arte secuencial también he estado más dedicado a los clásicos, de hecho mi primera recomendación no sería un comic nuevo sino una reedición que he adquirido recientemente: El Cid Integral, de Antonio Hernández Palacios. Épicas aventuras medievales finamente dibujados, inteligentemente guionizadas (y eso que el tema, en España, podría dar lugar a tremendas aberraciones) y al fin reeditadas. Una pena que sólo llegaran a sacarse 4 números. No me he atrevido a hincarle el diente a la aventura de Corto Maltés a cargo de Pellejero y Díaz Canales, dos grandes autores pero metiéndose a trabajar con un mito bajo la alargada sombra de Pratt. No dudo que será un comic genial, pero yo todavía no he sido capaz de superar los prejuicios que me hacen mirarlo como a una potencial blasfemia. Me ha sorprendido una pequeña joyita de DC Comics: Bombshells. Una miniserie que reimagina a varias heroínas (y a alguna villana) combatiendo al nazismo en la II Guerra Mundial, algo así como Wonder Woman meets Rossie the Riveter. Añado que Image, la editorial que en los 90 pretendió ser el icono de una nueva generación y la alternativa a Marvel y DC en el terreno superheroico, goza de una salud excelente y nos ha dejado muy buen material este año, material entre el que se encuentra Huck, una historia sobre aceptación, sobre integración pero también sobre superhéroes, algo así como si Ron Howard hiciera su versión de Superman.

Wonder Woman Bombshells

Me voy a mi arte preferido, la música. Ha sido un gran año en lo musical, tanto con veteranos publicando buenos discos (UFO, Michael Schenker, Pentagram, Motorhead, Toto, Pink Floyd) como con bandas de nueva hornada (Blues Pills, Kadavar, Ghost, Night Demon). Quedarme con tres será difícil, así que lo haré con un puñadito, y arranco con Night Demon, una banda que se ha marcado un disco impresionante de buen heavy metal titulado Curse of the Damned, que destila espíritu NWOBHM a lo Tank o Raven por los cuatro costados. El trío germano Kadavar nos regalaba otro de sus sabbathicos álbumes, titulado Berlin, y yo me los perdía en el Resu por culpa del horario de los buses (grupo pendiente para ver en directo en 2016). Y siguiendo con gente sabbathica los portugueses The Black Wizards, liderados por la carismática Joana Brito, nos traían el que ha sido mi disco favorito procedente de la península: Lake of Fire. Sin dejar el rollo retro de bandas contemporáneas también recomendaría los devaneos entre la flauta jethrotulliana con un guitarreo más cañero de Wucan en su último trabajo Sow the Wind. La vieja escuela demostró estar más viva que nunca y yo le di una buena cantidad de vueltas al Toto XIV, una joya de impecable factura como todos los trabajos de estos mitos del AOR estadounidense, y al A Conspiracy of Stars de UFO, un disco que me confirma que las ideas no se les han acabado a estos legendarios británicos (posteriorme certifiqué que en directo tampoco flaquean cuando visitaron Compostela). Pero si hay un triunvirato que para mi marcó este año serían Imelda May, Pentagram y Ghost. La irlandesa se coronó definitivamente como la reina actual del rock and roll, con su gira más multitudinaria para presentar Mayhem (publicado en 2014)  y que pude disfrutar con un conciertazo coincidiendo con las fiestas del Apostol en Compostela. Las huestes de Bobby Liebling encabezaron el cartel del Sonic Blast, donde nos quedó claro que Bobby es un crack, que Pentagram tiene una buena ristra de temazos para llenar un set list de ensueño y que el grupo en directo es muy sólido a pesar del deterioro físico de su frontman, y su último disco, Curious Volume, mantiene intacto el espíritu de la banda. Y sobre Ghost sólo diré dos cosas: han sacado el mejor disco que he escuchado este año y han dado el mejor concierto que he visto también este año. Meliora es un genial batiburrillo donde Bathory se dan la mano con Queen, Mercyful Fate se morrean con Pet Shop Boys y los Beatles copulan con Unleashed. Un disco del que no te diré que haya un solo tema que me parezca malo (pensaba que Mummy Dust era la más floja, pero luego en directo es un cañonazo) y que contiene varios singles de mucha pegada, además de una verdadera joya como es He Is, una canción que me tuvo obsesionado durante días. Y sobre su directo sólo diré que es sublime hasta el último detalle:puesta en escena, ejecución de los temas, selección del set list… si hasta es la primera banda a la que veo jugar con el olor de la sala, que ambientaron con incienso para dar un ambiente más sacramental. Para cerrar el recorrido musical destaco también a el Natural Behaviour de Sandford Music Factory como lo que más me ha gustado de la producción gallega, junto al Gods of Heaven and Earth de los vigueses Supa Scoopa, y acabaría citando el Live de los suecos Blues Pills como mejor disco en directo del año.

Emeritus III Ghost live

En lo tecnológico parece que el smart-watch no acaba de penetrar con la fuerza que algunos le suponían, aunque sus ventas han crecido desde la irrupción de Apple en el negocio. Y algo así ha pasado con las bases de datos No-SQL, que decían que eran “the next big thing” pero todavía no acaban de entrar con fuerza entre los desarrolladores (aunque yo me esté mirando algo de MondoDB). Lo que sí ha crecido es la popularidad de Arduino y Raspberry Pi, con comunidades de desarrolladores cada vez má asentadas, y con más empresas interesándose por el tema (incluso la BBC se suma y resucita el BBCMicro como un miniordenador barato para proyectos educativos). También se ha recuperado el interés por las gafas de realidad virtual, existiendo hasta alternativas low cost. El negocio sufrió un impacto tremendo por la compra de la gigante de la virtualización EMC por parte de la más gigante todavía DELL, que ve que la venta de portátiles  y sobremesa cae y busca nuevas vías de negocio, provocando la mayor operación de compra de la historia en términos económicos. Microsoft por su parte se ha dado cuenta de que Windows 8 era una mierda que no gustaba a nadie y ha sacado Windows 10, pero si hay algo que esté cambiando en Redmond es la mentalidad, y tras la salida de Ballmer la empresa de la mano de Nadella busca ir más hacia la venta de servicios que de licencias, dando a su vez una imagen de mentalidad más abierta (si hasta hay una versión de Visual Studio que se puede usar en Linux). Por cierto, que las criptomonedas que algunos gafapastas daban por muertas en 2014 han pegado un subidón de nuevo este año, pero sobre todo es interesante ver que algunas entidades bancarias poderosas están invirtiendo en estudiar el tema.

BBC Micro

Y como todos los años hemos perdido a algunos de nuestros ídolos: El gran Terry Pratchett, el entrañable “Spock” Leonard Nimoy, el legendario maestro del terror Christopher Lee, el jugón Meadowlark Lemon de los Globetrotters, el nunca bien ponderado Saza y, como no, Philthy Animal Taylor y el gran Lemmy Kilmister, dejando a Eddie “Fast” Clarke como el único miembro superviviente de la formación mítica de Motorhead de los primeros 80. (Edito para añadir que Ian Murdock, fundador del proyecto debian, parece que también ha fallecido, según leo en diversas noticias)

Y con esto terminamos nuestro tour por 2015. A ver cómo viene 2016, esperemos que mejor, o por lo menos no peor. Aunque siempre le podemos aplicar lo que decía Violencia Rivas

Las cinco mejores películas de boxeo.

Recordemos que hará cosa de un año hablaba sobre el tema de cuales son las que considero las mejores películas sobre baloncesto. Ayer recuperaba el tema en facebook y comentaba con un colega que si hay un deporte que nos haya regalado obras maestras del séptimo arte ese ha sido el boxeo. Entre eso y que van a estrenar dentro de poco Creed, el spin-off de Rocky, este era el momento para retomar el tema. Elegir las cinco películas de boxeo definitivas es un tema complejo por la gran cantidad que hay, pero yo me he decantado por estas cinco, que van a continuación si ningún orden concreto.

  • Toro Salvaje, titulada originalmente en inglés Raging Bull, fue estrenada en 1980 y ese año recibió 8 nominaciones a los Oscar, quedándose finalmente con dos estatuíllas: una al mejor montaje y otra para Robert De Niro como mejor actor. Junto a él hacía su debut en la gran pantalla Cathy Moriarty, que consiguió una nominación, y actores de solvencia probada como Joe Pesci, Frank Vincent o Nicola Colasanto (a este último seguro que le reconocéis por su papel del entrenador retirado en Cheers). El genial Scorsese nos regala uno de sus mejores trabajos, filmada en blanco y negro dándole un toque muy noir. La película cuenta el auge y la caída del boxeador Jake LaMotta, centrándose en su biografía Raging Bull: My Story. Contaba su ex mujer Vicky (interpretada por Moriarty en la película) que cuando asistieron al preestreno LaMotta le preguntó “¿Yo era así?” y que ella le dijo que no, que era todavía peor. Mucha gente la considera la mejor película sobre un deportista que se ha hecho en la historia del cine. Como curiosidad, John Turturro aparece en la película haciendo de extra.
    Robert De Niro como Jake LaMotta
  • Rocky, guionizada y protagonizada por Sylvester Stallone, esta fue la película que le sacó del anonimato y le convirtió en una estrella. ¿El sueño americano o el retrato del lado oscuro de este? Siempre he dado vueltas sobre este tema: ¿Representa Rocky el sueño americano de que cualquiera puede triunfar a través del esfuerzo?, ¿o acaso lo que se nos dice es que este sueño es sólo una ilusión para mantener a la gente entretenida, que existe un techo de cristal y que al que está abajo no se le va a permitir triunfar? (recordemos, a Rocky le quitan el título a los puntos en un polémico final). El resto de la saga ya pierde profundidad centrándose más en la acción, aunque en el inicio de Rocky II y en la sexta entrega, Rocky Balboa, recuperen un poco esta temática. La película recibió 10 nominaciones a los Oscar, llevándose 3: Mejor Película, Mejor Dirección para John G. Avildsen y mejor Montaje. A título personal Stallone se llevaría dos nominaciones aunque no ganara ninguno: mejor actor y mejor guión original. Además nos ha dejado momentos para el recuerdo como las fanfarronas entradas de Apollo, encarnado por el carismático Carl Weathers, la sabiduría y el paternalismo de corte cuartelario del entrenador interpretado por Burgess Meredith (su muerte en Rocky III, eso sí que es descorazonador y no la de la madre de Bambi), Rocky gritando “Adrianne, Adrianne” al final del combate buscando entre el público a Talia Shire o las payasadas del “cuñao” Paulie (Burt Young).
    Cartel promocional de Rocky

  • Million Dollar Baby tiene el mérito de destacar entre la copiosa producción de peliculones que Clint Eastwood dirigió en la primera década de los dosmiles. Cuando se reúne en pantalla el combo Clint/Morgan Freeman los amantes del cine podemos esperar una alegría, y en esta película de 2004 además tenemos a Hillary Swank confirmándose como una estrella en el mundo del cine. Nos encontramos en este intenso drama con el recurrente tema en el cine de esa etapa de Eastwood: la capacidad para superar los prejuicios y la fuerza de la amistad surgida tras esa ruptura con las ideas preconcebidas. Su final levantó mucha polémica entre asociaciones conservadoras y cristianas (no comentaré el porqué, por si no la habéis visto). Cosechó 7 nominaciones a los Oscar y se llevó cuatro: Mejor Película, Mejor Director para Clint, Mejor Actor de Reparto para Morgan Freeman y Mejor Actriz para Hillary Swank.
    Million Dollar Baby, reparto
  • El Caballero Audaz, titulada originalmente en inglés Gentleman Jim es un clásico de 1942 protagonizado por el legendario Errol Flynn (que entre borrachera y borrachera tenía la costumbre de marcarse peliculones para pagarse las copas) y dirigida por el no menos mítico Raoul Walsh. Se basa en la vida de James John “Gentleman Jim” Corbett, un boxeador de finales del siglo XIX que llegó a ser campeón del mundo y que es considerado por muchos como el padre del boxeo moderno al haber revolucionado los métodos de entrenamiento y cambiado el estilo del juego de pies usado hasta aquel entonces. La película cuenta su historia desde sus comienzos como boxeador y paralelamente cuenta la historia de su relación con Victoria, la mujer de la que se enamora y con la que se casaría (interpretada por Alexis Smith) tras proclamarse campeón del mundo, que será el hecho que ponga final a la película.
    Errol Flynn en Gentleman Jim
  • Cuando éramos reyes, en inglés When We were Kings, es un documental de 1996 dirigido por Leon Gast sobre el combate de Alí vs Foreman en 1974 en el Zaire de Mobutu, en el combate que se llamó Rumble in the Jungle. El propio Gast había estado allí originalmente para documentar el festival musical que se organizó alrededor del evento, en el que participarían James Brown, BB King o Celia Cruz; pero finalmente se decantó por centrarse en el boxeo. Las imágenes que recogió del evento musical se reutilizarían en 2008 para el documental Soul Power. La película incluye, además de entrevistas y material variado de la época, declaraciones posteriores de gente como Norman Mailer o Spike Lee. Aquel combate marcaría la consagración de Alí como el más grande de la historia y su reconquista del título perdido tras la retirada de su licencia por no querer luchar en Vietnam, y el inicio del infame Don King como el promotor de boxeo más importante del mundo. Se llevaría el Oscar a Mejor Documental, tras tardar 22 años en estrenarse por falta de financiación.Ali vs Foreman 1974 Zaire

He de reconocer que estuve tentado de meter Yo Hice a Roque III o el biopic de Uwe Boll (es mi pastor…) sobre Max Schmeling, pero se lo dejo a Zinemaniacos. En todo caso, como ya os comentaba, el boxeo además de combates espectaculares nos ha dado una excusa para excepcionales películas.