Yo no es que sea muy navideño yo pero cualquier excusa es buena para un Musiqueando nuevo, así que vamos con un Musiqueando de navidad. A los yankees les flipan este tipo de discos, que en cambio en España suele ser casi siempre aterradores. Siempre me han fascinado, para mal, esos recopilatorios que suelen usar en grandes superficies comerciales o en la megafonía de pueblos y ciudades: tanto clásicos en castellano como adaptaciones de temas populares estadounidenses traducidos son ejecutados en esas grabaciones, ejecutados en el peor sentido de la palabra. ¿Pero costaba tanto pagar a unos músicos de sesión que hicieran un trabajo decente? ¿Grabó el disco el productor en su casa, con sus sobrinos berreando los estribillos y su tío Paco borracho con un ukelele mientras la abuela Marifé rascaba la botella de anís? Porque suena así ¿intentaba que la grabación reprodujera fielmente el acoholizado final de la cena navideña familiar en lugar de que fuera una grabación aceptable? Eso ya lo reflejaron más crudamente los suecos Finnegan’s Hell.

Muchos de los muy duchos en este tipo de discos, porque hay gente muy aficionada a escuchar discos navideños, afirman que A Christmas Gift for You from Phil Spector  (en su primera edición se tituló A Christmas Gift for You from Philes Records) es la mejor aproximación a los clásicos navideños estadounidenses que se haya hecho desde la música comercial. En él se recopilan varios villancicos seculares estadounidenses interpretados por The Ronettes, The Crystals, Bob B. Soux y Darlene Love junto a varios de los habituales sesioneros que contrataba Spector, miembros de la llamada Wrecking Crew. Por su parte Phil Spector dejó su sello como productor con su particular técnica llamada “Wall of Sound” en un trabajo donde el soul, el pop y el R&B daban un lavado de cara a esos temas navideños, participando también como vocalista en la final Silent Night. La primera edición fue un fracaso comercial, el haber sido publicado el mismo día en que Kennedy fue asesinado eclipsó la noticia del lanzamiento, pero las sucesivas reediciones sí lograron unas ventas más que decentes, incluso logrando colarse en el Billboard 200 por primera vez el pasado año, entre diciembre de 2018 y enero de 2019, coincidiendo con el ecuador de la condena de 19 años por asesinato que el productor cumple en una prisión californiana.

Algunos otros de los muy duchos en este tipo de discos, por otra parte, disienten con la afirmación anterior y opinan que el mejor disco navideño no fue el producido por Spector sino que ese honor debería caer en el Elvis’ Christmas Album de Elvis Presley. Grabado en Hollywood en 1957 fue el tercer disco de estudio de El Rey. Un disco que salió acompañado de polémica dado que Irving Berlin se sintió ofendido por la versión de su tema White Christmas e inició una campaña de boicot con escaso éxito en los EEUU pero que sí logró que el tema no tuviera difusión en las radios canadienses. El disco recoge ocho temas navideños reinterpretados en clave de rock and roll y R&B y cuatro de gospel que habían sido previamente editados en el EP Peace in the Valley de aquel mismo año.

Algunos expertos dicen que el de Elvis y otros dicen que la producción de Phil Spector, pero mi elección personal no va para ninguno de esos dos sino para The Jethro Tull Christmas Album. Publicado en 2003 sigue siendo a estas alturas el último disco de estudio de la legendaria banda británica, donde conjugan composiciones propias con arreglos de temas tradicionales. Realmente casi la mitad de las canciones ya aparecían en discos anteriores de Jethro Tull, aunque algunas lo hacen aquí bastante retocadas como puede ser el caso de Bourée, una adaptación de la preciosa Bourrée en Mi Menor de Johann Sebastian Bach. Los elementos de folk rock que se conjugan con algo de jazz fusión y de rock progresivo le dan a este disco un delicioso regusto pagano y saturnal.

Una cosa que me sorprende constantemente es como ya aceptamos por tradicionales muchos villancicos que realmente vienen de la cultura popular estadounidense, que no son reconocidos muchas veces como tal por tener la letra traducida y que han desplazado del imaginario popular a los temas verdaderamente tradicionales. En Galicia por suerte tuvimos a Fuxan os Ventos, que en 1978 se dieron el trabajazo de recopilar y arreglar canciones navideñas tradicionales gallegas, panxoliñas, para el que sería su tercer disco: Galicia Canta ó Neno, un proyecto que ya venía gestándose desde que habían hecho una gira con el mismo nombre en 1975. En esta ocasión el grupo dejaba de lado la canción protesta con fuerte compromiso social que había caracterizado sus primeros trabajos para hacer un trabajo de recopilación que a su valor musical suma un alto valor etnológico, ayudando a la conservación y difusión de estas composiciones.

Si hay una persona que represente como nadie la elegancia en la música esa es la italiana Mina Mazzini. La cantante lombarda se atrevió durante sus carrera con múltiples géneros: jazz, bossa nova, pop, soul, disco, canción melódica italiana… Desde los años 70 ha estado retirada de la actividad en directo pero sigue publicando discos anualmente en los que demuestra que conserva todo el poderío de su voz. En 2013 decidió lanzarse a cantar villancicos estadounidenses en clave de jazz, en una producción arropada por Disney que, además, marcó su última colaboración con el compositor, arreglista y director de orquesta Gianni Ferrio: Christmas Song Book, un disco en el que canta una docena de villancicos estadounidenses en inglés.

Si bien en el mundillo metalero se han hecho diversas recopilaciones de temas navideños grabados por bandas más o menos exitosas o por agrupaciones ad-hoc de músicos all-star la mayoría dejan bastante que desear, quedando más como grabaciones en el mejor de los caso anecdóticas y en muchos otros resultado hasta paródicas. Pero sí hay una banda que se tomó muy en serio el asunto de grabar un disco navideño: los estadounidenses Trans-Siberian Orchestra, el grupo spin-off de Savatage. El génesis del proyecto lo encontraríamos en la ópera metalera Dead Winter Dead de Savatage de 1995, en el tema Christmas Eve-Sarajevo 12/24 donde Al Pitrelli se despachaba muy agusto con su guitarra mezclando dos clásicos navideños como la inglesa God Rest You Merry Gentleman y la ucraniana Shchedryk. El éxito del single motivó al productor Paul O’Neill a montar un proyecto que combinara el metal sinfónico y épico de Savatage con una producción al viejo estilo arena rock y arreglos vocales propios de Broadway. Contando con los músicos que habían grabado Dead Winter Dead, más el teclista y arreglista Bob Kinkel y varios vocalistas se gestó Christmas Eve and Other Stories, un disco que originalmente nació como un proyecto paralelo a Savatage y que acabaría por vender tres millones de copias, más que ningún trabajo de la banda de Florida, y por tener dos secuelas.

En este punto ya hemos tenido una buena variedad musical: R&B, soul, rock, folk, jazz, metal… un poco de todo. Para despedir el listado nos ponemos punkis y recuperamos la que es “la canción navideña más radiada en Reino Unido en el siglo XXI” Con este clásico de The Pogues de 1987 os deseo felices fiestas, en 2020 más Musiqueando para todos.

En la última entrega del musiqueando estuvimos hablando de grupos italianos contemporáneos pero, en el texto introductorio, hubo espacio para recordar algunas de los más exitosos movimientos musicales surgidos en ese país con, como es lógico, una especial mención al rock progresivo de los años 60-70. En los comentarios a la publicación en Facebook un amigo mío recordó a los Goblin, grupo que realizó múltiples bandas sonoras para gente como el mítico Dario Argento. Según se cuenta compusieron la banda de Profondo Rosso en una noche y la grabaron en un día (con algo de trampa pues trabajaban ya sobre material compuesto por Giorgio Gaslini, el encargado original de la BSO que había sido despedido por Argento). En aquel momento se llamaban Cherry Red y decidieron cambiar de nombre, en principio puntualmente, para grabar la banda sonora. Al ser esta su mayor éxito hasta el momento decidieron seguir con ese nombre y con las colaboraciones con Argento, quien les encargaría la banda sonora de su siguiente película: Suspiria. Esta se convertiría en la obra maestra del grupo y les elevaría al olimpo musical italiano. Más adelante vendrían otras bandas sonoras como la de la versión europea de El Amanecer de los Muertos de Romero, La Via Della Droga de Castellari o la polémica Perché se uccidono, que firmarían con el pseudónimo Il Reale Impero Britannico. Con múltiples cambios de formación e hiatos se han mantenido en activo hasta la actualidad, combinando discos conceptuales con bandas sonoras y manteniendo su sonido entre el rock progresivo y lo atmosférico.

Vamos a seguir con grupos que han dedicado gran parte de sus carreras a la producción de bandas sonoras y, sin salir de Europa, volamos algo más al norte, a Alemania. Allí nos esperan los miticos Tangerine Dream. Comenzaron su carrera con un rock progresivo atmosférico que acabó derivando en música electrónica y new age. Otra agrupación que ha cambiado mucho de músicos y que sigue activa y vigente (la popular Black Mirror:Bandersnatch de Netflix tenía varios temas suyos). Entre su variada producción cinematográfica mi favorita es la banda sonora de Near Dark, una película de Kathryn Bigelow de 1987 que combina vampiros, western y ambiente gótico-electro dark, éxito de crítica y película de culto con el paso de los años que fracasó en taquilla en su estreno. El trabajo de los alemanes, como era de esperar, es sutil y minimalista, ayudando a construir las tensas y efectivas atmósferas de la película con pasajes cargados de sintetizadores.

En 1991 Richard Thompson se encargó de la banda sonora de la película australiana Sweet Talker, un trabajo que describiría como uno de los más arduos y problemáticos de su carrera y que hizo que el guitarrista inglés decidiera no volver a grabar bandas sonoras. Trece años después Werner Herzog, uno de sus directores predilectos, le pidió a Thompson que compusiera una banda sonora para él, para la película Grizzly Man, en la que contaría también con la colaboración de su amigo y ocasional colaborador Henry Kaiser como productor. No fue capaz de negarse. Fiel a su estilo de hacer las cosas de forma poco predecible y tópica Thompson se gastó la mayor parte del presupuesto en comprar los derechos del tema Coyotes, de Don Edwards, que cerraría la película. Para el resto de la banda sonora Thompson juntó a un grupo de músicos con los que ya había colaborado en el pasado y, durante dos días, se dedicó a improvisar jams sobre las escenas de la película. El resultado final fue una excelente colección de temas de folk-rock que casan perfectamente con el espíritu del film.

Siguiendo por la vía folk cambiamos el cine por la televisión. Channel 4 y Grampian Television en 1988 realizaba una serie documental en tres episodios sobre los gaélicos escoceses, su cultura, su legado y su emigración: The Blood is Strong. La banda sonora corrió a cargo de una de las más importantes bandas del folk-rock de las Highlands: Capercaillie. En aquel momento contaban con solo dos discos de folk escocés en una onda muy tradicional y es a partir de esta banda sonora cuando comienzan a experimentar agregando sonidos contemporáneos, con influencias del funk, el pop o el rock. Tras su etapa de más éxito comercial en los 90, cuando Coisich a Ruin se convirtió en el primer tema en gaélico en entrar en el top 40 inglés, el disco sería reeditado con seis bonus tracks aprovechando el tirón del grupo para relanzar la serie en VHS.

Este año hablar de cine y rock era hablar de Queen y el exitoso biopic Bohemian Rhapsody, pero la relación de la banda británica con el celuloide viene de largo. Varios temas de A Kind of Magic se utilizaron en la banda sonora de Los Inmortales y también fueron una de las bandas incluidas en la banda sonora pop que se recopiló para la versión restaurada de Metropolis. Pero antes de todo eso, en 1980, Queen realizaron una banda sonora completa. Apareció entre el exitoso The Game, que marcó un giro de la banda hacia un sonido más domesticado, y el Hot Space, seguramente su disco más flojo. La película era Flash Gordon, un relanzamiento del popular personaje de tebeos space opera de King Features Syndicate. Además de una pieza más comercial como tema principal, el exitoso single Flash’s Theme, el disco se compone de piezas cortas donde usaron muchos más sintetizadores de lo habitual en ellos para acompañar las escenas como música incidental. Un trabajo controvertido que para algunos es notable y para otros de lo peor de la producción de la mítica banda.

Y siguiendo con bandas de rock populares y míticas firmando bandas sonoras puntualmente nos vamos a los EEUU al año 1984. Toto habían arrasado en ventas, crítica y entregas de premios con su disco IV y a David Lynch le habían encargado llevar Dune al cine tras el abortado intento de Jodorowsky. El productor De Laurentiis encargaría la banda sonora a los Toto, quienes realizarían un excelente trabajo instrumental contando con la orquesta sinfónica de Viena y el coro de la Casa de la ópera de Viena, dirigidos por Marty Paich, padre del teclista David Paich. El disco, con una orientación más progresiva que la mayoría de piezas de su discografía, incluyó también un tema de Brian Eno, de quien se dice que había compuesta toda una banda sonora que fue finalmente rechazada a excepción de esa pieza y alguna música incidental de fondo.

Y para cerrar este recorrido nos vamos a revisar la producción de Mark Knopfler. El guitarrista de los populares Dire Straits ha firmado por su cuenta 11 bandas sonoras hasta el momento, comenzando en 1983 con Local Hero, que incluía uno de sus temas más reconocibles: Wild Theme. Pero si hay una que me gustaría destacar sobre el resto es la de La Princesa Prometida, de 1987. No solo porque el pop elaborado que Knopfler desarrolla en sus temas capture a la perfección el concepto de fantasía romántica de la película, sino porque también incluye una colaboración con el legendario Willy DeVille en el tema Storybook Love y por una anécdota absurda que me hizo mucha gracia que suele contar Rob Reiner: cuando intentó convencer a Knopfler de grabar la banda sonora este le puso una condición bastante peculiar, quería que la gorra que Reiner lleva en This Is Spinal Tap saliese en la película. Reiner aceptó y la puso en la habitación del nieto, aunque posteriormente Knopfler reconocería que no se lo pidió en serio, que fue una broma y que nunca esperó que le fueran a hacer caso en esa petición.

Tras la edición especial Sonic Blast volvemos a la tónica habitual del Musiqueando en su ya décima entrega, esta semana vamos con una aproximación musical de corte iberista. Empezando porque hace unos semanas el músico portugués José Cid se llevó un Grammy Latino reconociendo su larga trayectoria. Aunque generalmente yo de los Grammy paso millones porque no me parecen premios con mucho criterio y aunque no toda la trayectoria en global de Cid me entusiasme, siendo en general demasiado pop para mi gusto, sí le tengo que reconocer que su disco 10 000 Anos Depois Entre Vénus e Marte de 1978 es una verdadera joya del rock progresivo y sinfónico, un disco atemporal y sobresaliente, como también le reconozco el valor que tuvo al recuperar fados y otros géneros tradicionales portugueses y experimentar combinándolos con jazz, blues o pop.

The Black Wizards tienen nuevo disco recién salido del horno y ya sabéis que aquí somos muy de The Black Wizards. Si las guitarras de Joana Brito y Paulo Ferreira comienzan a combinarse, enlazarse y llenar el silencio con su distorsión aquí estaremos para acercar la oreja hacia lo que nos puedan ofrecer. Continúan evolucionando de una forma lógica pero muy marcada de un disco a otro. Reflections nos trae un sonido menos retro que sus predecesores, menos pesado, más limpio y onírico, con menos blues rock y más psicodelia e incluso algún guiño al rock alternativo y al space rock. Hay piezas como Starlight que son un paseo por las nubes, también alguna descarga rockera más enérgica como Symphony of the ironic sympathy o Imposing Sun e incluso alguna verdadera orgía sonora como Kaleidoscope Eyes. Un paso más en la evolución de una de las bandas más punteras del panorama ibérico, todavía joven pero ya con unas tablas y una trayectoria a considerar.

Un descubrimiento de la última semana, por medio de un amigo que lo publicó en Facebook, fueron los Derby Motoreta’s Burrito Kachimba. Ellos definen su música como “kinkidelia” y combinan influencias del flamenco y el rock andaluz con géneros como la psicodelia, algo de progresivo y kraut rock. Tienen un solo disco, cortito en la duración pero una joyita de principio a fin. Diría que junto a Atavismo y Quentin Gas & Los Zíngaros conformarían el triunvirato que está recuperando y rejuveneciendo de manera más que notable el rock andaluz que llevaba demasiado tiempo olvidado.

Por cierto que buceando por el Bandcamp me encontré con single que no conocía de The Wizards, la que para mi es la mejor banda de metal de la Península Ibérica hoy por hoy. Valoraciones y fanatismos aparte me encontré con un single de dos temas tributo a Danzig. Versionan Soul on Fire y Tired of Being Alive. Dos buenas versiones de uno de sus grupos referentes (y de mis grupos referentes también, ya sabéis que los tres primeros discos de Danzig son bíblicos para mi). Indagué un poco y me encontré con que el sencillo fue editado en formato físico originalmente en 2017 como regalo para los 250 primeros asistentes a su concierto en el Kafe Antzokia de Bilbao en junio de 2017, posteriormente lo pusieron a la venta en descarga digital por “la voluntad”. Merece la pena darle una oída, no solo por completismo.

Y vamos a seguir por Euskadi con otra de las mejores bandas salidas de ese país: Su Ta Gar. Un grupo versátil que comenzó en el speed metal, se endureció por terrenos cuasi groove y que posteriormente ha llegado a publicar un disco de rock con material predominantemente acústico. Que son unos musicazos capaces de tocar diversos palos siempre con elegancia, calidad, buen gusto e impecable ejecución ya lo sabíamos desde hace años, como sabíamos algunos de su implicación con proyectos deportivos de su Eibar natal. Pero lo que no me esperaba es que llegaran a grabar un tema para el equipo de fútbol local, la SD Eibar que actualmente disputa La Liga, la máxima categoría del fútbol en España. Esta temporada además de los goles la hinchada también podrá corear un himno a golpe de heavy metal.

Y acabamos de nuevo en Portugal con Jesus The Snake. Ya los mencioné en la entrada sobre el Sonic Blast y esta semana vuelvo a traer a estos muchachos de Vizela al frente porque estuve escuchando más en profundidad su primer largo, publicado en el mes de julio: Black Acid, Pink Rain. Su rock psicodélico con influencias kraut, prog y space destila genuina devoción, casi fervor religioso, por Pink Floyd o Camel, aunque también con influencias más modernas como Colour Haze o Causa Sui. Ese sonido de guitarra no quiere ocultar la pasión por David Gilmour, no es que no lo disimulen, es que un tema se llama Floyd’s y va seguido de otro que se llama Floyd’s II. Su propuesta instrumental nos plantea un viaje íntimo, sutil y elegante a terrenos de plena evasión espiritual. Un disco para soñar y dejarse llevar.