The Tick (2001) vs The Tick (2017)

The Tick, La Garrapata, es un paródico superhéroe creado por el autor Ben Edlund en 1986,cuando este todavía escribía en el semanario de su instituto y que, posteriormente, se convertiría en una serie de la editorial New England Comics. En 1994 la MTV produciría una serie de animación y en los dosmiles nos llegarían las dos series de imagen real que hoy nos ocupan.

Cabe destacar que Edlund, que ha tenido una destacada carrera también como guionista de televisión (escribiendo capítulos de Firefly, Angel, Supernatural, Dr. Horrible’s Sing Along Blog o Gotham), siempre ha estado vinculado a las adaptaciones de la serie, ejerciendo tanto de guionista como de productor. Y ahora la pregunta ¿mejor la adaptación de 2001 o de 2017? Comparemos varios puntos:

Warburton Tick

  • The Tick: Vamos con el personaje principal, The Tick, La Garrapata. ¿Mejor Patrick Warburton o Peter Serafinowicz? Sería la decisión más complicada: ambos hacen una interpretación muy similar, ambos logran resultar convincentes en un papel tan caricaturesco, clavando movimientos y voz para acentuar esa sensación de superpoderoso bonachón/tontico. Para mi en este caso quedaría en empate. Como curiosidad: Warburton estuvo a punto de repetir papel como The Tick en la nueva adaptación, pero finalmente Amazon decidió que había que cambiar a todo el reparto. A pesar de eso sigue ligado a la serie, ya que es uno de los productores.
  • Arthur: En este caso me quedo con la serie de 2001. Si bien Griffin Newman hace un buen papel con esta versión más oscura y de pasado traumático de la encarnación de 2017 prefiero a David Burke con su personaje más permanentemente estresado y bufonesco, más ligero y sin carga dramática ni traumas, ya que a pesar de eso me resulta más empático.
  • Aliados principales: Ahí golea la serie de 2001. Un personaje como Batmanuel (interpretado por un fantástico Néstor Carbonell) puede que esté demasiado plagado de tópicos racistas sobre los latinos para una producción actual, pero su carisma es indiscutible. Frente a él un Overkill en la versión 2017 que se queda en una versión desdibujada del Juez Dredd, los justicieros ultraviolentos y vengativos ya han alcanzado tales cotas de autoparodia en algunos tebeos que es complicado caricaturizarlos más. La Capitana Liberty, por su parte, va más allá de ser una simple parodia de Wonder Woman convirtiéndose en un personaje metarreferencial, la heroína arquetípica de tebeo clásico que vive definida por una imagen sexualizada y a la vez tiene que mantener un comportamiento asexual. Captain LibertyEn la versión de 2017 tenemos a Dot, la hermana de Arthur, cuyo importancia en la trama es casi irrelevante. No es que el personaje esté mal diseñado, pero tiene muy poco peso dentro del guión, funcionando como una comparse de Arthur o de Overkill según el capítulo.
  • Villanos: La serie de 2001, al estilo de la antigua serie de Batman de los 60, mostraba enemigos nuevos en cada capítulo, la versión de 2017 tiene tres villanos fijos: el flojo Ramsés, una Miss Lint decepcionada con la vida pero que no renuncia a sus miras y el definitivo y temible hipervillano The Terror. En esto, punto para la nueva versión ya que uno le acaba cogiendo más cariño a estos malos que salen habitualmente.Miss Lint
  • Vehículos: Danger Boat, en la versión de 2017, nos deja unos cuántos momentos memorables ya que, a pesar de ser un vehículo, es un personaje con diálogos y entidad en la línea de KITT en El Coche Fantástico. El coche de Batmanuel, por mucho que mole, no puede competir ya que no es un personaje en si. Punto para 2017.
  • Secundarios: Al igual que con los villanos la serie del 2001 tenía pocos secundarios recurrentes, mientras que la versión de 2017 está llena de personajes con pequeños papeles que dotan a la serie de mayor variedad y de un buen número de sorpresas. De nuevo punto para la nueva versión, aunque hay que destacar que la versión de 2001 tiene el puntazo de haber tenido a Ron Perlman en un capítulo (y nadie vivo mola más que Ron Perlman)
  • Tono general: Siendo ambas dos comedias basadas en un mismo comic el tono de la historia es muy distinto, siendo ambas hijas de su época: la serie de 2001 nacía en pleno auge de las sitcoms, parodiaba los arquetipos de las series de superhéores de los 90 (como la primera serie de Flash o Lois & Clark: Las Nuevas Aventuras de Superman) y celebraba sin complejo alguno su pasión por el Batman de Adam West. La versión de 2017 es mucho más oscura, siguiendo la moda actual tanto en serie como en cine o en tebeos. Tiene más acción y se toma un pelín más en serio a si misma, jugando a su vez a meter referencias a otras películas (no solo de superhéroes, valga como ejemplo el homenaje a Whiplash que se marcan) y a la serie original.

Conclusión: Tras darle vueltas creo que me quedo con la primera versión, mucho más relajada, sin drama alguno ni tensión, con menos acción y más comedia. Ambas te garantizan un buen rato de risas y se ven rápido, pues son capítulos cortos. Si puedes, intenta ver las dos, te recomiendo empezar por la de 2001 y seguir con la actual.

The Tick

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Las mejores series de animación… en las que no participa Matt Groening.

Si me preguntas por la mejor serie de animación de la historia te diría que en global Futurama y que siendo tiquismiquis Los Simpson entre la tercera y la octava temporada, donde fueron totalmente imbatibles, ni un capítulo malo. En resumen, que Matt Groening es Dios. Pero como en este blog somos politeístas vamos a ir con una lista de series de animación que no debes perderte… y tras las que no está la mano de Mr. Groening.

  • Rick & Morty: un niño más simple que el mecanismo de un chupete vive extrañas aventuras de ciencia ficción junto a su abuelo, un genio científico alcohólico y drogadicto. De momento dos temporadas excepcionales y dentro de poco llegará la tercera: una completa locura, gags extremadamente cafres y referencias por doquier a clásicos del cine de terror y ci-fi. Una delicia para todo fanboy que se precie, una pura y absoluta locura geek. Diría que hoy por hoy la mejor serie de animación que pueda seguirse.

  • Archer: Esperando por la octava temporada estamos, tras un final de esos infartantes en la séptima. Sterling Archer es guapo, alcohólico, machista, simplón, impulsivo y de gatillo fácil: es James Bond si le quitamos la capa pompa glamourosa con la que lo disfrazan. A su alrededor una panda de desgraciados como su madre alcohólica, un contable neurótico al más puro estilo George Constanza, una pija millonaria con múltiples y extrañas filias y fobias o un científico de pasado nazi conforman la agencia de inteligencia más absurda desde que Ibáñez parió a la TIA para sus Mortadelos. Durante la serie irán avanzando pasando por otras ocupaciones como el narcotráfico o el trabajo de detectives. Para amantes del humor garrulo y las referencias al cine de acción ochentero.

  • Adventure Time: Cuando Pendleton Ward creó la serie tengo muy claro en que no estaba pensando en hacer la serie que los niños querrían ver, estaba pensando en hacer la serie que él querría haber visto cuando tenía 10 años. El resultado ha sido uno de los mundos de fantasía más originales y locos que se hayan disfrutado en la historia de la animación, una serie con capítulos en principio bastante independientes y que tocan los temas tópicos de la fantasía épica pero que, conforme avanza, nos deja entrever una historia postapocalíptica y más compleja. Una genialidad que te hará reencontrarte con tu niño interior, y que además podrás disfrutar en compañía de tus hijos o sobrinos.

  • South Park: Una veterana serie, lleva 20 temporadas ya: con una estética feísta nos narra la historia de cuatro niños cazurros y malhablados en un pequeño y aburrido pueblo del centro de EEUU. Empezó en 1997 y aquí nos llegó más o menos sobre 1999: tres temporadas brutales y una película donde parecían tocar techo. Tras eso la serie parecía estancada: abuso de los chistes escatológicos, gracietas que sólo se basaban en apariciones de famosos, guiones cada vez más lineales… la serie perdía calidad, la cuarta y la quinta temporadas eran flojas y se salvaban pocos capítulos, parecía que la sexta sería la última. Y entonces la serie resucitó, la sexta temporada recuperó el espíritu de las primeras y ahí sigue en antena hasta hoy en día. Por lo que he leído han firmado con Comedy Central hasta 2019, cuando realizarían la temporada 23.

  • Over the Garden Wall: Más allá del jardín es una miniserie creada por Patrick McHale, un guionista y director creativo de Hora de Aventuras. Un motivo para verla es que son sólo 10 capítulos de 10 minutos, así que te la puedes ver en una tarde como si se tratara de una película. Nos presenta una imaginativa historia con dos hermanos atravesando un bosque encantado. Un bonito cuento de hadas con un diseño y producción geniales, pensado para encandilar tanto a niños como a adultos… y sobre todo a críticos, ya que en su momento fue muy premiada.

Alguna más se quedó en el tintero, como las garrulas Metalocalypse o Mr Pickles de Adult Swim o la divertida Trollhunters de Netflix con un enfoque más juvenil/para toda la familia. Pero cada  serie de la lista es una joya a disfrutar, algunas para todas las edades y otras sólo para adultos, pero todas esenciales.

Stranger Things ¿y si ya nos han contado el origen del monstruo?

Si no has visto Stranger Things, la genial creación de los hermanos Duffer, entonces para de leer. En serio, para de leer. Porque más abajo te comerás algunos spoilers, y porque es una serie que conviene ver envuelta en un halo misterioso. Así que para de leer, mírate la primera temporada y cuando la acabes vuelve y continúa con este artículo. Porque merece la pena, porque aunque abusa de la nostalgia y de referencias calcadas plano a plano estilo Tarantino es una joya y tiene sabor fresco. Y porque su aire ochentero no radica sólo en hacer referencias a series de los 80, sino en hacer las cosas como en aquellas películas de antaño.

Stranger Things

Si has visto la serie entonces, como todos los que la hemos visto, tienes la cabeza llena de teorías sobre qué es el monstruo y sobre la dimensión oscura llamada The Upside Down. Yo tengo mi teoría, que he estado comentado estos días con más gente, y como estoy de vacaciones y tengo tiempo para escribir he pensado que mejor que dejarla en mi muro de Facebook para un puñado de colegas es publicarla aquí y que la lea más gente. He de decir que no he buscado más teorías por internet, pero que supongo que mucha más gente ha llegado a la misma conclusión que yo porque, bien pensado, me parece de perogrullo y no hay que ser un genio para sumar dos y dos. Entonces vamos por partes. ¿Qué sabemos?

  • Sabemos que Eleven tiene poderes psíquicos derivados de los experimentos que el gobierno realizó con su madre.
  • Sabemos que Eleven, si es puesta en suspensión sensorial, puede moverse por una dimensión donde el espacio y el tiempo discurren de forma distinta y que refleja la dimensión donde está su mundo físico. Digo lo del espacio y el tiempo porque cuando hacen el experimento en la base se va hasta un cuartel ruso caminando apenas unos metros en ese mundo.
  • Sabemos que Eleven encuentra al monstruo durante uno de esos experimentos, pero en un primer momento el monstruo sólo la asusta, no la ataca.
  • Parece que Eleven siente responsabilidad por las acciones del monstruo.
  • Sabemos que The Upside Down es un reflejo del mundo físico, pero sin humanos ni animales y casi sin luz, más oscuro.
  • Sabemos que The Upside Down es accesible por cualquiera de manera física si encuentra una puerta, aunque su ambiente daña a los seres vivos.
  • Sabemos que el monstruo puede crear accesos entre el mundo físico y The Upside Down.
  • Sabemos que el monstruo no se había manifestado en el mundo físico hasta que Eleven escapa del centro de investigación.
  • Hemos visto que para destruir al monstruo Eleven parece sacrificarse, se destruye para destruirlo (aunque tengo otra teoría también).

Vale, con todo este cuadro delante voy a formular mi teoría: El monstruo es una consecuencia de los poderes de Eleven, creado por sus poderes de forma subconsciente, y no sólo eso, The Upside Down también es una creación de los poderes de Eleven para encerrarlo. El monstruo es un reflejo de los temores, los miedos y también del lado más oscuro de Eleven y de sus traumas. No olvidemos que ha sido criada como un experimento, sin seres queridos a su alrededor y que con solo doce años ya conoce el sentimiento de matar, aunque fuera en defensa propia. La teoría de que el monstruo e Eleven son lo mismo, el mismo ser, ya es formulada en la serie por Lucas cuando esta manipula sus brújulas, pero finalmente no se aclara nada sobre el origen del monstruo ni de la dimensión paralela, que parece que se ampliará en una segunda temporada. En este punto estarás pensando que mi teoría no se sostiene demasiado, realmente se basa en que el monstruo no aparece hasta que Eleven escapa y que desaparece cuando Eleven desaparece. Y ahora me remito al título del artículo ¿y si ya nos han contado el origen del monstruo?¿Y si lo hicieron en el el principio mismo de la serie? ¿en la introducción del primer capítulo?

Recuerda el primer capítulo, al principio de todo, antes de la desaparición de Will, tras la partida de AD&D: los niños se retan a una carrera de bicis, y se apuestan un cómic. Pero es que la apuesta es muy concreta, no se apuestan “el último número de X-Men” o “todos tus números de X-Men“, se apuestan el número 134 de Uncanny X-Men. Cuando comentaron un número tan concreto en el capítulo no pude resistirme a buscar cual era, aunque en aquel momento no podía relacionarlo con la trama de la serie porque no sabía todos los detalles que listé arriba, pero esa es la pista clave, porque el número 134 de Uncanny X-Men no se publicó en otoño de 1983, año en el que se ambienta la película, sino en junio de 1980, más de tres años antes. ¿Por qué hacer una referencia concreta a un cómic publicado tres años antes del tiempo de la serie? Pues ese tebeo es lo que sostiene mi teoría: En ese número, titulado “Too late, the heroes!“, la psíquica y miembro original de los X-Men Jean Grey, cuyos poderes se habían visto potenciados por la entidad cósmica conocida como Phoenix, es torturada por el Club Fuego Infernal para convertirla en su Reina Negra. Básicamente los restantes X-Men  intentarán llegar hasta ella y rescatarla mientras Mente Maestra usa sus poderes para profundizar en lo más oscuro de la personalidad de Jean Grey con la intención de enloquecerla y hacerla unirse al bando de los malos. El clímax del número llega cuando Jean pierde el control sobre si misma y dice “Hear me, X-Men! No longer am I the woman you knew! I am fire! And life incarnate! Now and forever I am Phoenix” manifestándose entonces como Phoenix Oscura, una versión salvaje y malvada de si misma. Y otro detalle más: en X-Men, más adelante, descubriremos que la entidad Phoenix había hecho un duplicado del cuerpo de Jean Grey, que fue el que llegó a ser Phoenix Oscura, y que el cuerpo original estaba bajo el mar en estado de animación suspendida.

Uncanny X-Men 134

En resumen, que en una serie donde tenemos a una psíquica con la que unos desalmados han experimentado y a un monstruo desconocido, que sabemos que fue descubierto por ella,  hacen una referencia muy exacta a un cómic donde una psíquica se convierte en un monstruo tras sufrir distintos abusos y agresiones a su mente ya en el inicio del primer capítulo. Al menos da que pensar si queremos teorizar sobre el origen del bicho ¿no?.

Stranger Things, cartel

Como ya decía, supongo que hay más gente desarrollando y defendiendo la misma teoría, ya que puesta negro sobre blanco parece hasta una perogrullada… o no, puede que la segunda temporada nos den una explicación diferente, pero como ya decía, una referencia tan concreta a ese cómic… es que algo hay.

En el listado de arriba os decía que tengo una teoría sobre el sacrificio de Eleven para destruir al monstruo, y que creo que la segunda temporada tirará por ahí: ¿y si Eleven no se ha sacrificado del todo? ¿y si sólo ha destruido su forma física y, por extensión, la del monstruo pero su mente sigue flotando por la dimensión paralela? ¿y si puede tomar otro cuerpo anfitrión para volver, al estilo de la propia Phoenix de los X-Men? En fin, eso ya nos lo contarán o no en la segunda temporada.

Actores y actrices que siempre quedan bien

El otro día hablaba con un colega sobre la segunda temporada de Daredevil y comentábamos “Scott Glenn, como siempre excelente“… y es que hay una serie de intérpretes que parece que puedan salir en cualquier película o serie y cumplir con buena nota en todas las situaciones. Voy a obviar a Harvey Keitel, Gene Hackman y a Gary Oldman porque estos tres no son actores, son dioses de la interpretación y están por encima del bien y del mal (lo digo totalmente en serio, son los más grandes).

  • Scott Glenn: Abrimos la lista con Scott Glenn, que para algo es que la ha inspirado. El último año le habrás podido ver como Stick en la serie de Daredevil de Netflix, y su cara te sonaría mucho. Este veterano actor, que fue marine en los años 60, tiene una larga lista de trabajos a su espalda siempre como secundario. Suele destacar en papeles de personajes duros y marcados por la violencia: Apocalypse Now, En Honor a la Verdad, Training Day, Buffalo Soldiers, Poder Absoluto, El silencio de los Corderos, La caza del Octubre Rojo, El Ultimatum de Bourne y alguna más de esa saga o el musical Nashville (donde compartió reparto con el siguiente actor de la lista).Scott Glenn
  • Keith Carradine: Proviene de una familia de artistas,  su padre fue el mítico John Carradine y era hermano del fallecido en sórdidas circunstancias David Carradine (sí, el de Kung Fu). En los últimos años le has visto siendo un carismático tabernero y policía retirado en la primera temporada de Fargo, un curtido agente del FBI en Dexter, un asesino en serie en Mentes Criminales o el padre de Penny en The Big Bang Theory. Compartía reparto con Scott Glenn en Nashville, película por la que Carradine recibió un Oscar en 1975, pero no como actor sino como cantante y compositor por la canción I’m Easy. También apareció en Los Duelistas o Herederás la tierra. La sombra de su familia es muy alargada, y aunque su padre es uno de esos mitos inigualables creo que es un actor bastante más sólido de lo que era su hermano.Keith Carradine
  • Cristina Ricci: En los últimos tiempos creo que no ha estado muy activa, o al menos yo no la he visto mucho, aunque puede ser compresible ya que con 35 años que tiene lleva 26 en pantalla. Ser una niña-actriz debe ser duro. En los 90 se hizo mundialmente conocida como Miércoles Addams, para luego ser la niña que enamora al fantasma Casper. Como pasa casi siempre en estos casos su éxito trajo inestabilidad familiar y mucho trabajo en su infancia. Llega a la mayoría de edad con papeles muy potentes en películas como Buffalo ’66, Lo Opuesto al Sexo, Miedo y asco en Las Vegas o Desert Blue, y parecía que tras Sleepy Hollow se convertiría en la nueva musa de Tim Burton. Tuvo algún patinazo como 200 Cigarrillos y también participó en algún bombazo como Monster. En los últimos años ha sido menos prolífica, pero nos ha regalado alguna gran interpretación como en El Lamento de la Serpiente. Tras el éxito de una película para televisión sobre Lizzie Borden en 2014 ha repetido el papel en una miniserie llama The Lizzie Borden Chronicles.Christina Ricci
  • John Hurt: Un grande. Lo digo totalmente en serio ¿se puede ser más grande que John Hurt? Sólo siendo Christopher Lee, pero como el señor Lee por desgracia ya nos ha dejado, hoy por hoy el señor Hurt no tiene rival. Este veterano actor británico ha hecho de todo y ya no tiene nada que demostrar: Un Hombre para la Eternidad le daba la fama, y para la eternidad nos quedan otros papeles suyos como el de Kane en Alien: El octavo Pasajero, como Winston Smith en la adaptación al cine del clásico distópico 1984, el preso Max en El expreso de Medianoche, Joseph Merrick en El Hombre Elefante y el oscuro Doctor Guerrero en el especial del 50 aniversario de Doctor Who The Day of the Doctor. Tiene ese tipo de carisma y magnetismo que hace que cuando él entra en escena el resto de personajes desaparezcan.John Hurt
  • Jessica Lange: Si has visto American Horror Story ya sabes lo mucho que mola Jessica Lange. Pero no hay que olvidar todo lo que viene detrás, desde que Dino DeLaurentis la descubrió y la hizo protagonizar su remake de 1976 de King Kong, donde se daba a conocer. Ganaba un Oscar en 1982 por Tootsie y otro en 1994 por Blue Sky. Clavó el personaje de Patsy Cline en Sweet Dreams y participó en clásicos de la talla de All that Jazz. A mediados de los 90 participaba en una exitosa adaptación de Un Tranvía Llamado Deseo para TV y a partir de ahí se alejaba del cine, aunque haría papeles secundarios en películas como Big Fish, para centrarse en la televisión. Muchos la daban por acabada pero sus papeles en Grey Gardens y American Horror Story han demostrado que sigue siendo una actriz de categoría con mucho que ofrecer.Jessica Lange
  • Gillian Anderson: La agente Scully de Expediente X, una de las series más exitosas de la historia de la televisión, no ha sido demasiado prolífica en papeles cinematográficos o televisivos, centrándose más en el teatro y en el activismo por los derechos de la mujer. Eso no quiere decir que no haya más referencias televisivas y cinematográficas que Expediente X en su carrera: además de mucho doblaje de animación (la versión en inglés de La Princesa Mononoke) o videojuegos ha aparecido en películas como The Mighty Celt o El último Rey de Escocia, en las series Hannibal y The Fall y últimamente ha trabajado en una adaptación para tv de Guerra y Paz, además de retomar su papel en Expediente X para alegría de miles de fans.Gillian Anderson
  • Ed Harris: Si necesitas a un tío que haga de general, ese es Ed Harris. Pero no simplifiquemos, Harris es algo más que un tío que suele aparecer en papeles de militar. Listar sus grandes trabajos es complicado, ya que son muchos: Las Horas, Pollock, El Show de Truman, Elegidos para la Gloria, Enemigo a las Puertas, Una historia de Violencia, Appaloosa, Buffalo Soldiers, Apolo 13, La Roca, La tapadera, Nixon, Copying Beethoven… es muy complicado destacar un papel de este actor, que puede destacar en casi cualquier película en la que le pongas.Ed Harris
  • David Tennant: Le pillas cariño después de verle en Doctor Who y de repente te dicen que es un estremecedor y repulsivo villano en Jessica Jones. Y piensas ¿en serio? ¿Puede ser que Tennant haga un personaje que te revuelva las tripas? Si es un tío riquiño. Pero le ves siendo el Kilgrave en Jessica Jones y entonces cambias a Jodido bastardo, que le maten de forma dolorosa. Ahí está, un actor capaz de ser creíble y memorable en registros totalmente opuestos. Me centro en esos dos papeles porque son mis favoritos, pero Tennant ha hecho mucho más. En el cine es cierto que no se ha prodigado, aparece en películas como Blackpool o en alguna de la saga de Harry Potter, pero en teatro forma parte de la Royal Shakespeare Company y ha trabajado en otras series de televisión de éxito como Broadchurch, The Scape Artist o Learners, mostrando su versatilidad para atacar tanto papeles dramáticos como humorísticos.David Tennant
  • Michael Madsen: Sólo por el baile de la escena de la tortura en Reservoir Dogs este señor tiene ya un hueco en la historia del cine. Compagina su carrera de actor con su faceta de poeta y fotógrafo, ya que ha publicado varios libros en ambos géneros. Ha hecho muchos pequeños papeles en televisión y le hemos podido ver en películas como Thelma y Louise, The Doors, un pequeño cameo en Sin City, Liberad a Willy, Por encima de la Ley, Wyatt Earp, Money for Nothing,  Muere otro Día,  Blueberry o Eldorado. Pero sobre todo le conocemos por sus trabajos con Quentin Tarantino: Reservoir Dogs, las películas de Kill Bill y The Hateful Eight.Michael Madsen
  • Lucy Lawless: Estoy enamorado de esta mujer. Puede que no sea la mejor actriz del mundo, pero siempre logra crear personajes poderosos: la guerra Xena en la serie de Sam Raimi, la dómina Lucrecia en Spartacus, Número Tres en Battlestar Galactica, la enigmática Ruby Knowby en Ash vs Evil Dead y me han dicho que ha hecho un papelón en Salem (esa no la he visto). ¡Si hasta ha doblado a un personaje de Hora de Aventuras, y a si misma en Los Simpson y en Celebrity Deathmatch! No se puede molar más que Lucy Lawless, bueno sí, siendo John Hurt se podría llegar a igualarla. Si tuvieran descendencia juntos engendrarían a las criaturas con más carisma del universo.Lucy Lawless

En fin, aquí dejo este top ten de gente que metería en cualquier película o serie, sin contar a los tres citados al principio que ya están también por encima de todo. Ya podéis empezar a visualizar sus trabajos si no lo habéis hecho hasta ahora.

¿Por qué Ash vs Evil Dead es una obra maestra?

Nunca he sido muy fan del terror gore, siempre me ha parecido que meter un montón de casquería es un recurso mediocre cuando no se saben crear guiones y atmósferas que realmente atemoricen al público. Pero debe haber algo verdaderamente jodido en mi cabeza, porque el gore como recurso humorístico me encanta, lo adoro. Caí en este género a través de las primeras películas de Peter Jackson: Bad Taste, Meet The Feebles y Braindead, y aunque los fans tolkienianos pondrán el grito en el cielo sigo considerando que esa época fue su época dorada. Como es lógico, no tardé tras descubrir esas películas en llegar a la saga de Evil Dead. Del trabajo de Sam Raimi ya había disfrutado antes con sus series de fantasía helénica que eran repetidas por La 2 de TVE todos los veranos: Hércules y Xena. Y posteriormente también por Darkman, película que había conocido de rebote a través del videojuego de la NES. La saga de Evil Dead fue un flechazo instantáneo, y el chiste del “Klaatu barada… esto… mmm.. lo he dicho bien!” lo he quemado de tanto rememorarlo.

Durante años los fans de la saga hemos leído en internet cientos de especulaciones sobre una cuarta parte que continuara la historia de El Ejército de las Tinieblas, ya fuera siguiendo el final futurista proyectado en Sitges o en el presente con la continuidad de la versión normal, pero Bruce Campbell no quería volver a ser Ash y Raimi sabía que sin él no tendría sentido seguir, por lo que nos conformamos con leer la continuación de  sus aventuras en comic. Tras coproducir el remake de 2013 de la primera película parece que finalmente al bueno de Bruce le picó el gusanillo y se apuntó, pero no para una película sino para una serie.

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El Jefe is back

Los entendidos en televisión suelen discutir sobre qué serie fue la que lo cambió todo y empezó con esta “edad de oro” donde las series superan en originalidad y calidad los planteamientos de Hollywood. Dentro del entretenimiento audiovisual más comercial la televisión le está comiendo la tostada al cine desde hace unos años. Unos dicen que Los Soprano fue la responsable de este cambio, otros que The Wire y su filosofía de “que se joda el espectador medio“, pero el caso es que una serie como Ash vs Evil Dead sería totalmente impensable hace unos años.

¿Por qué? Pues porque lo que nos ofrece Ash vs Evil Dead son cortos capítulos de pura diversión descerebrada salpicados de sangre y entrañas. Y por eso la amamos. Ash vs Evil Dead es una obra maestra porque sabe lo que tiene que ofrecer y lo ofrece de forma inmejorable. Mientras que la segunda temporada de True Detective naufraga por tomarse tan en serio y pretender ser tan profunda que acaba por hiperbolizarse, mientras que The Walking Dead quiere hablarnos del darwinismo social en un hipotético holocausto zombie, mientras R.R. Martin sigue empeñado en convertirse en Corín Tellado jugando a Dragones y Mazmorras (esto último se lo he robado a Odiseo Haller) Raimi nos trae media hora semanal de total desconexión mental. Bruce Campbell nos ofrece a un héroe de moral distraída, salido, baboso, machista, narcisista, egoísta, decadente, descerebrado… un héroe por obligación más que por convicción pero que por momentos nos muestra una cara noble que permanece oculta tras sus vicios. Raimi nos regala lluvias de sangre entre constantes punchlines y macarradas, y sabe mantenernos espectantes e intrigados dosificándonos la información sobre el personaje de la genial Lucy Lawless (le juré amor eterno en el capítulo 3, lo entenderéis cuando lo veáis) o sobre la relación de la serie con algunos hechos de las películas, relación que sigue muy viva a través de múltiples referencias. A esto hay que sumarle una buena ración de secundarios puntuales muy acertada y una banda sonora que en cada capítulo nos ofrece dos o tres perlas del mejor rock clásico. Como obra de género desde luego no puede ser mejor, hasta el momento.

Lucy Lawless Ash Vs Evil Dead
Lucy a la caza de Bruce

Escribo esta línea tras ver el capítulo 6, que nos ha ofrecido una escena de brutal carnicería donde el diálogo se construye a base de punchlines. Hasta el momento no podría pedir más: Ash Vs Evil Dead da lo que ofrece, y si no flaquea, si no falla, es porque no cae en el error de tomarse demasiado en serio. El que quiera filosofía que lea a Nietzsche, el que quiera una ficción profunda y que haga pensar que la busque en Asimov o Philip K. Dick, este no es el terreno de Sam Raimi, él nos da diversión descerebrada y desconexión flanqueado por sus pareja de actores fetiche (Campbell y Lawless), muy bien realizada a nivel de ritmo narrativo y de fotografía, donde todo cumple su papel. Y lo mejor de todo… es que ya han confirmado una segunda temporada.